Curso: Mujeres en el arte, miradas diferentes y audaces.

Mujeres en el arte: miradas diferentes y audaces.

Modalidad a distancia. Plataforma Moodle del Museo de la Mujer.

Lic. Andrea Castro

Sin moverte de tu casa y en el horario que vos dispongas accederás a toda la información desde tu computadora (textos, fotos y videos) ingresando, de manera cómoda y sencilla, a la plataforma on-line del Museo de la Mujer. Un curso ideal para personas con poca disponibilidad horaria y para los residentes en el interior y/o exterior del país.

Fundamentación:

Hasta mediados del siglo XX las mujeres tuvieron limitado acceso a la educación y escasa participación dentro de los campos políticos y culturales.  Si se repasa con detenimiento la Historia del  Arte se concluye que este campo tampoco fue la excepción y entonces surge la pregunta: ¿por qué en más de 2000 años de historia  han surgido tan pocas grandes artistas mujeres? La respuesta es tan clara como contundente: el arte femenino siempre ha sido impopular y ha tenido menos visibilidad porque, en general, se lo asocia con labores domésticas y recreativas Investigando un poco debajo de la montaña de prejuicios e ideas preconcebidas, la realidad nos pone frente a mujeres de armas tomar que desde la antigüedad, pero sobre todo, durante el siglo XX, han puesto su cuerpo, sus ideas y su inmensa creatividad al servicio de diferentes disciplinas artísticas para expresar sus sentimientos y sus vivencias y sus opiniones desde una mirada diferente y sumamente audaz.    

Objetivos:

• Descubrir cómo fue evolucionando la expresividad y el abordaje de temáticas cada vez más comprometidas a medida que el aporte de las mujeres en el mundo del arte fue cada vez mayor.  

• Vivenciar la profundidad del mensaje estético de algunas de las más importantes artistas de la Historia del Arte del siglo XX a través del conocimiento y el análisis de su vida y obra. 

• Analizar tanto los aspectos técnicos como expresivos de las obras, en profunda relación con el contexto histórico, social y familiar que condicionaron su realización.

Dirigido al público en general, a estudiantes de artes plásticas, de fotografía y de diseño,  y a toda persona interesada en las cuestiones de género y su estrecha relación con el mundo del arte.  No se requieren conocimientos previos para tomar el curso.

Contenidos: 

1- Panorama histórico.  

Del arte gótico al siglo XIX. La vida y la obra de algunas de las más importantes representantes de cada período.

1.a) Sabina Von Steinbach. 

1.b) Marietta Robusti, mejor conocida como la “Tintorettta”. 

1.c) Lavinia Fontana.

1.d) Artemisia Gentileschi. 

1.e) Madame Elizabeth Vigée-LeBrun.

1.f) Berthe Morisot. 

Lavinia Fontana: "The Gozzadini Family"

  Elisabeth Vigée - LeBrun: "Autorretrato" 

Artemisia Gentileschi: "Sleeping Venus"

2- Artistas del siglo XX.

Tres duplas de artistas, integradas por una extranjera y otra nacional ejemplificarán, a través de sus similitudes y diferencias,  la arrasadora fuerza femenina que se adueñó tanto de la pintura,  como de la escultura y la fotografía, hasta llegar, ya a mediados de la centuria,  a las expresiones multidisciplinarias contemporáneas.  

2.a) El imaginario femenino sobre el caballete: Georgia O’ Keeffe y Josefina Robirosa.

2.b) Damas de armas tomar, mujeres escultoras: Camille Claudel y Lola Mora. 

2.c) Jugar con luz para contar historias: Diane Arbus y Annemarie Heinrich. 

Cronograma de finalización de temas:

15/9: Panorama histórico. 

30/9: El imaginario femenino sobre el caballete. 

15/10: Damas de armas tomar. Actividad de fijación.

30/10: Jugar con luz para contar historias. 

31: Evaluación final

Bibliografía: 

Hauser Arnold (1994). Historia social de la literatura y del arte. Colombia,  Editorial Labor. 

Gombrich Ernst (2005). Historia del arte. Inglaterra, Editorial Phaidon. 

Delbee Anne (2007). Camille Claudel. España, Editorial Circe.

Travnik Juan (2012). Annemarie Heinrich, un cuerpo, una luz, un reflejo. Argentina. Ediciones Larivière. 

Britta Benke (2011). Georgia O`Keeffe, flores en el desierto. Alemania, Editorial Taschen. 

Filmografía: 

Camille Claudel (Isabelle Adjani – Gerard Depardieu) 1988

Georgia O’Keeffe (Joan Allen – Jeremy Irons) 2009

Lola Mora (Leonor Benedetto – Director Javier Torre) 1996

Inicio: 8 de septiembre de 2014

Costo: $500 ($275 por mes)

Se entregarán certificados de asistencia y aprobación.

Informes e inscripción: andreacastro20@gmail.com

                                         info@museodelamujer.org.ar

                                         relacionesmuseodelamujer@gmail.com

                                         54-11-43839054  

Le Parc Lumière

Malba – Fundación Costantini presenta la exposición Le Parc Lumière, compuesta por una selección de obras históricas del gran maestro argentino Julio Le Parc (Mendoza, 1928) pertenecientes a la colección Daros Latinoamérica, Zúrich. La muestra se concentra en las experiencias cinéticas de Le Parc entorno a la luz, realizadas principalmente en los años 60.

A catorce años de su última gran retrospectiva en el país, Malba acerca nuevamente al público local el universo mágico de Le Parc y rinde así homenaje a uno de los artistas argentinos más importantes del siglo XX. Al realizar otra retrospectiva del maestro, se decidió hacer foco en uno de los aspectos más importantes de su producción: su preocupación por las alteraciones de la luz en movimiento. 
El público podrá disfrutar activamente de un conjunto de 17 instalaciones lumínicas, desplegadas en dos salas del museo, que suman 900 metros cuadrados. “Sus juegos de luz en movimiento modifican el espacio, lo recrean en forma permanente y al mismo tiempo lo disuelven, incluyendo al observador en la obra de arte total. La sustancia material básica de los múltiples aparatos mecánicos y máquinas lumínicas se transforma elegante y absolutamente en inmaterial”:

Arte en movimiento

Junto con sus colegas del GRAV, Julio Le Parc propuso en los años 60 una ruptura con la tradición artística que había prevalecido hasta entonces, alejándose de la pintura y acercándose a una concepción dinámica de la obra de arte. “Las primeras experiencias que hice con elementos móviles partían de las cajas luminosas, y se realizaron a comienzos del año 1960. Estaban destinadas a servir como una suerte de diafragmas que modificaban sus formas según su posición, dejando pasar más o menos cantidad de luz. Me di cuenta, casi de inmediato, que con ellas podía experimentar, de forma independiente, los mismos problemas que me preocupaban en aquél momento. Es decir, la múltiple variedad de situaciones en una misma experiencia. Las nociones de movimiento, de inestabilidad y de probabilidad se me aparecían de forma muy clara, se desarrollaba el trabajo con contingencias exteriores a la obra. La tendencia a alejarme de la noción de obra estable, única y definitiva, se acentuaba cada vez más”, explica Le Parc. 

Continuel lumière avec formes en cortonsions, 1966-1996

Lumière saccadée, 1970 

El deseo de Julio era crear obras que estuvieran en perpetua transformación y en constante inestabilidad. Sus investigaciones científico-mecánicas resultaron en interesantes juegos azarosos de luces y sombras, donde la participación del espectador completa la obra de arte activándola con su percepción y su presencia interactiva. El artista crea las condiciones, pero las superposiciones y constelaciones específicas de los fenómenos lumínicos son casuales.

“Este juego con lo aleatorio conduce constantemente a situaciones nuevas y sorprendentes que nunca son abarcables en su totalidad. La experiencia de estos sucesos lumínicos fugaces nos lleva a reflexionar sobre lo inestable de la realidad y sobre el fluir de la vida con sus múltiples refracciones y reflejos”, afirma Hans-Michael Herzog (uno de los curadores de la muestra) y agrega: “Con serenidad y mano suave, Le Parc nos eleva hacia un calidoscopio universal que fluye, resplandece, danza y vibra, y cuya belleza y encanto nos atrapan y ya no nos abandonan”.

Continuel lumière cylindre, 1962

Lumière verticale visualisée Installation, 1978

Arte liberal y democrático

Las obras cinéticas de Le Parc se sustraen de manera deliberada de cualquieri nterpretación específica. En un mundo en el que todo está ordenado, Le Parc busca ofrecer al hombre la oportunidad de romper con su existencia reglamentada. Su intención es liberar al observador de su dependencia y hacerlo participar en la acción, integrándolo en su obra de arte total y sumergiéndolo en una experiencia lumínica. Para Hans-Michael Herzog: “En la negación rigurosa de cualquier pretensión de lo absoluto es donde reside el aspecto más profundamente humano de este arte a la vez que el más político: un arte que se concibe como liberal y democrático, respetuoso de los hombres, antiautoritario y enemigo de cualquier tipo de culto al genio”.

Lumières alternées, 1993

Lumières 

Lumières alternées, 1971

Muestra: Obras cinéticas de Julio Le Parc en la Colección Daros Latinoamérica

Curadores: Hans-Michael Herzog, Käthe Walser y Victoria Giraudo

Hasta el 06 de octubre de 2014

Salas 5 (2º piso) y 3 (1º piso)

MALBA: Avenida Figueroa Alcorta 3415

Entrada General: $50 (miércoles $25). 

El arte de Balenciaga

El Museo Balenciaga albergará hasta el 5 de abril del 2015 esta muestra gestada con el Museo del Traje de Madrid. La colaboración entre ambas instituciones tratará de difundir la figura y la obra del modisto, además de mostrar las principales influencias artísticas y estéticas que determinaron su obra con artistas de la talla de Zurbarán, Velázquez, Goya, Sorolla, Zuloaga, Picasso y Juan Gris. 

Se exponen en tres salas, denominadas La geometría del arquitecto, El eterno binomio y La paleta del pintor, sesenta piezas pertenecientes a la colección del museo madrileño, acompañadas por nueve reproducciones de obras maestras de los artistas anteriormente mencionados que influyeron en la obra del diseñador.

Santa Isabel de Portugal por Francisco de Zurbarán (derecha)
Diseño de Balenciaga inspirado en la obra (izquierda)

Diseño de 1951 en rayón bordado a mano, con sobrefalda que se
transforma en capa  

Santa Dorotea de Capadocia por Francisco de  Zurbarán

Diseños realizados en los años sesenta por Balenciaga inspirados en esta obra



 Bailarina de Ignacio de Zuloaga (izquierda)
Diseños de Balenciaga inspirados en la obra (derecha)

Diseños del modisto reunidos en la muestra Balenciaga y España

Balenciaga y Goya

María Luisa de Borbón-Parma de Goya (Izquierda)
Diseño de los años 50 de Balenciaga inspirado en la obra (derecha)

Detalle del modelo superior confeccionado en gasa de algodón



 Mariana de Austria por Diego Velázquez (izquierda)
Diseño de 1939 inspirado en la obra (derecha)

Vestido "Infanta" de 1939

Diseños inspirados en cuadros religiosos renacentistas 
y barrocos españoles

Cristóbal Balenciaga (1895 - 1972)

Marta Minujín: Inauguración Comunicando con Tierra

El proyecto que se presenta  en la galería Henrique Faria data de 1976. En el espacio se ve un nido de hornero.El hornero es un pájaro que se distingue de otras especies por su peculiar nido 
en forma de horno de barro. 
Un nido paradigma, o, por así decirlo, el nido perfecto. La acción a la que corresponde este nido tuvo lugar en un lugar mítico, Machu Picchu, en Perú.  Allí, Marta Minujín con autorización de las autoridades y con la ayuda de asistentes recogió 30 kilos de tierra, de lugares estratégicos, “cargados” de energía  A su regreso a Buenos Aires realizó una muestra en el CAyC y exhibió la tierra de dos modos distintos. El espacio lo ocupaban 25 bolsas de plástico, de un kilo cada una, y un nido de hornero realizado con los cinco kilos restantes mezclados con tierra local. 
Tras la muestra, Minujín envió esas bolsas a distintos artistas de Latinoamérica y marcó esos envíos en un mapa realizado en papel vegetal. La idea era que esa tierra, especial y captada en un punto geográfico e histórico tan emblemático, fuese esparcida en cada uno de los distintos lugares y, a su vez, otro kilo de tierra regresase para reemplazar la tierra sustraída. 

De la ceremonia de restitución no han quedado imágenes pero en la muestra pueden verse tres videos que documentan tres momentos muy distintos de aludir al paso del tiempo. Marta cubierta de tierra o Marta cubierta de máscaras que cuentan la historia de la transformación histórica pero también identitaria de un continente desde su pasado pre-colonial hasta el momento. La distintas acciones que se ven en los videos son modos de crear formas y eventos (bien sea con la tierra o con máscaras) “informativos” sobre las múltiples metamorfosis de un continente.

Inauguración: 19 de mayo a las 19 hs. 

Cierre: 17 de junio. 

Lugar: Libertad 1628. CABA. 

Fashion and Dance

Agent Provocateur -  Dancer:Laurretta Summerscales

Giles Deacon - Dancer: Shiori Kase

Erdem - Dancer: Kerry Birkett

House of Worth -  Dancer: Natalia Kremen

Jacques Azagury - Dancer: Jia Zhang

Julien Macdonald - Dancer: Stina Quagabeur 

Kinder Aggugini -  Dancer: Alison McWhinney

Moschino - Dancer: Fernanda Oliveira

Roksanda Illincic - Dancer: Ksenia Ovsyanick 

Mario Testino: In your face llega al MALBA

Primera exposición en la Argentina de uno de los fotógrafos de moda más influyentes del mundo. Se presenta un conjunto de 122 fotografías, seleccionadas por el propio Testino, que brinda un panorama completo de su obra y pone de relieve sus provocativos contrastes. Mario Testino: In Your Face es un acercamiento íntimo al mundo y a la producción del célebre fotógrafo peruano. Incluye sus imágenes más atrevidas e icónicas y muestra diferentes aspectos de su trabajo: desde fotografías de moda y publicidad, hasta imágenes autobiográficas, que hablan sobre la elegancia, la belleza, el estilo, la irreverencia y la contradicción. La exposición combina sus trabajos de muchos años para revistas como Vogue y Vanity Fair y para firmas como Gucci y Versace, con instantáneas personales. 

Refleja la interacción de los medios masivos de comunicación, el glamour y los íconos de la cultura popular, como Kate Moss, Gisele Bündchen, Nicole Kidman, Gwyneth Paltrow, Mick Jagger, Madonna, Lady Gaga, Brad Pitt y David Beckham, entre otros. Las copias están enmarcadas y apoyadas sobre una repisa o colgadas en la pared, y dan el aspecto informal de un estudio. A través de esta cuidada instalación, la muestra permite al espectador una conexión íntima y emotiva con las obras, sus temas y el universo del artista. “Estoy encantado de poder compartir mi obra en este país fascinante y hermoso, cuya tradición, elegancia, historia y energía me han servido de gran inspiración”, reconoce Mario Testino. “Espero que puedan disfrutar de esta exposición, tanto como yo disfruto de su país”, agrega el fotógrafo.

“El equilibrio entre creación y destrucción ha obligado a Testino a separarse de las prácticas establecidas de la fotografía en general y de la fotografía de moda en particular. La mejor forma de entender toda su

obra es como una serie de itinerarios (o carreras) que se desvían sin cesar del camino trillado a una sorprendente velocidad, que parece igualar la de la cámara; desde Lima hasta Londres y más allá, desde el

domicilio permanente hasta el estudio alquilado, desde un estilo característico hasta un enfoque políglota, desde modelos y estrellas hasta la realeza, desde prendas de ropa hasta estilos de vida”.

“Utilizar el vocabulario tradicional de la crítica fotográfica para comprender la obra de Testino es como usar el itinerario de los trenes urbanos para entender los desplazamientos nómadas. Quizás un término más apropiado que el establecido estudio o el constante estilo característico sería el concepto de traducción fotográfica, que reproduce el talento de Testino para moverse de uno a otro lenguaje, ya sea en el plano lingüístico o estético”.

“Todas las fotografías están hechas para moverse; y moverse hacia delante, con decisión. Evitar el trípode, como acostumbra Testino, es una forma de lograr una vital sensación de movimiento. El fotógrafo, la cámara y el sujeto fotografiado (o sujetos fotografiados) tienden a moverse constantemente; la fotografía resultante no es tanto un momento congelado como una fugaz sincronización de muchos cuerpos en movimiento”.

“No se trata de que Testino sea un Caravaggio moderno, ni de que copie los cuadros de aquel pintor. No obstante, existe una lógica similar en el intento de construir una ilusión espacial «delante» de la imagen en vez

de «detrás», allende las figuras; una lógica consistente en la audaz proyección de las figuras hacia delante, fuera del cuadro y hacia el espectador, en vez de encerrarlos en un interior o colocarlos dentro de un vasto paisaje”.

JENNIFER ALLEN

Crítica especializada.

Inauguración: Viernes 14 de Marzo a las 19 hs. 
Hasta el: 16 de junio de 2014 en la Sala 5
Malba: Avenida Figueroa Alcorta 3415. CABA. 
Actividades relacionadas con la muestra:
http://malba.org.ar/web/exposicion.php?pa=1&id=154&subseccion=actuales